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中西音乐史名词解释doc

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  中国音乐史部门 先秦期间 弹歌 记录于《吴越春秋》中,远古期间的一首古歌谣,歌词为:“断竹、续竹、飞土、逐肉”歌词大意是说原始人若何砍下竹子做成弓,发射石弹去猎取鸟兽的景象。它腔调朴实、节拍铿锵,透显露原始人对打猎勾当的喜悦表情。 葛天氏之乐 上古期间的一部代表性乐舞。最早见于《吕氏春秋·古乐篇》。形式是“三人操牛尾,投足以歌八阕。”具体内容:一曰《载民》、二曰《玄鸟》、三曰《遂草木》、四曰《奋五谷》、五曰《敬天常》六曰《达帝功》七曰《依地德》八曰《总禽(鸟)兽之极》。这一乐舞由三人表演,他们手执牛尾且歌且舞。手执牛尾表示出原始居民对尾巴的审美,整部乐舞表示了对图腾先人、六合万物的敬颂祭祀,反映出了原始人在精力糊口与物质糊口方面的追求。 六代之乐 又称六乐。听说是从黄帝起头历代传播下来的六部代表性乐舞。在西周时次要用于祭祀大典与主要宴享勾当,表示史诗性的内容。往往带有一些戏剧表演的意味。此中,被后世儒家奉为雅乐最高典型。前三篇是对神的称道。《云门大卷》称道云图腾。《大咸》称道水、鱼图腾。《九韶》称道鸟图腾。后三篇是对人的称道,《大夏》称道大禹、《大濩》称道商汤、《大武》称道周武王,称道他们的文治武功。称道内容的变化表现了因为时代变化而惹起的文化性质的变化。六乐的特点是规模弘大,有歌有舞,而声调安然平静,节拍迟缓,表示一种中庸肃穆的情感。六代之乐是华夏民族2000年来缔造的时代史诗。也是周代音乐文化具有集大成意义的代表作品。 周代礼乐轨制 西周时由周公初步制定的一种以礼节和音乐的品级化为焦点的一种文化轨制。音乐的品级化体此刻佾与乐悬两个方面。其吹奏的音乐与表演的乐舞为雅乐,次要在祭祀六合神灵先人等仪式中表演和吹奏。其形式是:堂上登歌、堂下乐县,文武八佾。歌辞书雅纯正、气概庄重冗长。其目标次要是宣讲道德,教育教化。西周雅乐是我国汗青上成立起来的第一个明白的宫廷雅乐系统,礼乐轨制简直定对于西周近300年的社会次序不变,曾起过积极感化。 房中乐 是燕乐的一种,指周代燕享宾客的音乐。由后妃们在内宫侍宴时演唱。见于《仪礼》:“弦歌周南、召南之诗,而不消钟磬之节也。谓之房中者,后夫人之讽诵,以事其君子。”歌时不消钟磬伴奏,而用琴瑟伴奏。多从民间诗歌中取材加工改编,文娱性较多,为的是满足君王的文娱要求。 两汉、三国、魏晋、南北朝期间 乐府 乐府是秦汉期间成立的音乐机构,在汉武帝时最为昌隆,汉哀帝年间裁撤乐府。乐府其本能机能是采集民间歌谣,并进行加工改编,以供祭祀、宴乐之用。其采集的民歌颠末加工拾掇,逐步构成必然的固定模式,后人把汉代乐府采制的歌谣,以及魏晋直至唐代能够入乐歌唱的诗歌,或者仿照乐府气概的作品,也统称为乐府。乐府又成了一种音乐体裁。乐府中具有优良的音乐家李延年,可以或许创作歌曲,是最早明白记录长于用外来音乐进行加工创作的人。乐府客观上目标是为统治阶层的宫廷享乐办事,但客观上庇护了民间音乐,推进了汉代音乐的繁荣成长,注重民间音乐的经验对后世音乐成长发生了深远影响。 相和歌 是汉代各类民间歌曲的总称,包罗:一是清唱的“徒歌”,二是一人唱三人和的“但歌”。第三种就是加上管弦乐器伴奏,发生乐器与歌唱相和形式的相和歌。即所谓:“相和、汉旧歌也。丝竹更相和,执节者歌。”其演唱形式是唱者本人击节鼓,旁以丝竹乐队伴奏。在歌前歌后往往有零丁由乐队奏出的引子和尾声。其伴吹打队次要有笙、笛、节鼓、琴、瑟、琵琶、筝七种构成。相和歌采用的调最后为平、清、瑟三调,后来添加了楚、侧调。构成了五种以调式定名的乐曲,即平调曲、清调曲、瑟调曲、楚调曲、侧调曲。 相和大曲 相和大曲是相和歌最高的成长形式,是歌舞乐分析使用的多段体大型乐曲。其次要布局分为三部门:第一部门为艳、分为有词无词两种;第二部门为“曲”和“解”曲是次要歌唱部门,都有好几段歌词,每段歌词当前都有一个“解”是器乐伴奏下的跳舞部门。第三部门为“趋”亦分为有词无词两种。在乐曲快竣事时,众乐齐举,速度越来越快,情感强烈热闹奔放,进入乐曲飞腾,称之为“乱”。相合大曲的呈现申明我国汉代的歌舞伎乐曾经具有相当高的成长程度。 《广陵散》 广陵散是我国古代一首大型琴曲,至晚在汉末曾经呈现。现存最早的《广陵散》谱是1425年出书的《奇异秘谱》本。《广陵散》描述内容与聂政刺韩王的故事相关。乐曲是一部有两个根基主题成长演变而成的器乐大曲。全曲由开指、小序、大序、正声、乱声、后序六部门构成。从总体布局来看,仍然连结着“序——正声——乱声”这种相和大曲的准绳。它的两个根基主题按其所处位置可称为“正声主题”和“乱声主题”此中正声主题多在乐段起头处,凸起其主导感化,乱声主题多用于乐段竣事处,使各类曲调归结到一个配合的腔调之中,具有标记段落,同一全曲的感化。《广陵散》是我国现存琴曲中独一的具有戈矛杀伐战役氛围的乐曲,间接表达了压迫者抵挡暴君的精力,具有很高的思惟价值和艺术价值。 清商乐 魏晋南北朝期间汉民族民间音乐的统称,其次要包罗相和歌、又插手了长江流域的民间歌曲:吴歌、西曲。南方民间音成功为其主体。清商乐沿用相和三调“平、清、瑟”称为清商三调。其保留了秦汉以来的民间音乐,被称为“华夏正声”。 吴声歌 东晋以来采自江南一带的民歌,用箎、箜篌、琵琶等乐器伴奏。布局凡是为五字一句、四句一段的分节歌。也有一部门是五言三句或长短句的。其音乐特点曲直尾常有用虚字唱出的衬腔,称为“送声”。次要是一种独唱性质的抒情曲,气概细腻优美。 西曲歌 西曲歌发生于荆、郢、樊、邓之间,约当今湖南、湖北、四川、贵州一带。次要包罗舞曲、倚歌两大类。“西曲歌”的句法布局比“吴声歌”较为多样,除了五言和长短句外,还有四言和七言的。“西曲歌”中的舞曲为集体歌舞,其音乐特点是常用“送和声”但与吴声歌送声分歧,舞曲的送声多半由世人齐唱,所以称为“送和声”或“和声”并且不必然是虚词。有些歌曲的和声部门成长得相当大,已具有所谓副歌的性质。倚歌是一种独唱性质的歌曲,次要用笙及铃鼓等乐器伴奏,气概比力豪爽、奔放,其情趣与吴声歌颇为分歧。 碣石调·幽兰 南朝梁代丘明所作古琴曲,现存乐谱为唐人手手本。是目前所见最陈旧的一首文字谱手手本。碣石调源于相和歌“瑟”调中的《陇西行》,“幽兰”是乐曲所表示的内容。乐曲的内容是借咏幽谷幽兰来抒发文人蓬菖人的清高思惟,全曲腔调清丽阴霾,分四段,有一个根基腔调成长而成。这一腔调通过移调处置,泛音吹奏,句幅扩充,调式变换等手法加以变化成长,最初还用泛音作八度持续下行,加强其冲动情感。同时,在碣石调·幽兰中已呈现散音、按音和泛音在音高上相分歧的旋律,特别常器具有纯律特色的三、六、八、十一徽上的按音和泛音。这申明至多在六世纪前,古琴音乐已正式使用了纯律音阶,其时的人们曾经完全控制了纯律的声响纪律。 隋、唐、五代期间 《阳关曲》 别名送元二使安西、渭城曲、阳关三叠。唐时出名歌曲。以唐诗人王维七言绝句入乐。乐谱出见于《浙音释字谱》名《大阳关》。称《阳关三叠》者则以《发现琴谱》为最早。由于歌唱时必需频频三次,每次略作变化,故称三叠。唐诗叠唱体例为第一句不叠,后三句再叠。至宋代已是每句都叠。后成长为琴歌形式,歌词成长为包罗长短句的多段作品,每段叠唱。主题为商调式,每句尾部为合尾,第三句移调处置。其旋律豪情真诚、动听心扉。 燕乐 分为:大中小三种分歧概念。广义的燕乐,乃是泛指统治阶层在宴会中所用的各类音乐,其意义与俗乐相当。故隋唐九、十部乐及所有教坊俗乐都可称为燕乐。狭义的燕乐,专指唐贞观时张文收所作的《景云河清歌》。次广义的燕乐,乃是专指一种具有特殊乐调气概的乐曲。即受少数民族音乐特别是龟兹乐影响而发生的一种与保守乐调分歧气概的乐曲。其根基音阶既分歧于高古乐,也分歧于清乐音阶,其特点是使用“清角”和“闰”。 唐代大曲 是一种分析器乐、歌唱、跳舞的含有多段布局的大型歌舞音乐,比起相和大曲有了进一步成长。音成功分气概变化是成立于多民族音乐的根本之上。布局是板块式的。分为三个部门。第一部门是散序,是节拍自在的散板,器乐独奏及合奏,不歌不舞。第二部门称中序或拍序。也叫“排遍”。以歌唱为主,慢板居多,或舞或不舞。第三个部门从入破起头,以跳舞为主,音乐由慢渐快,是全曲的飞腾地点。唐代最出名的大曲是《霓裳羽衣舞》。大曲在唐代音乐中拥有主要的位置,也表白中古期间歌舞伎乐达到了史无前例的成长高度。 宋、辽、金、元期间 姜夔 姜夔、号白石道人,南宋“格律派”词人、音乐家。江西鄱阳人。其人多才多艺,工于诗词、通晓乐律、擅长书法。著作存今有《白石道人诗集》和《白石道人歌曲》。存诗180余首、词80多篇。《白石道人歌曲》中最次要的是14首自度曲。“自度曲”是其创作的词体歌曲。所谓“自度”即便宜新曲之意。是先成文辞,后制乐谱。大多是以描写山水风景和旅途中的感触感染为题材,内容庄重,气概清爽。给人以美的享受,具有较大的传染力。如《杏花天影》、《鬲溪梅令》《扬州慢》等。,除此还作有琴歌《古怨》和按照唐宋旧曲拾掇填词的《霓裳羽衣第一》、《胡渭州》。以及仿民歌祠神曲所作的“越九歌”等,都有曲谱传世。姜夔的作品很注重技巧,无论是在旋法,布局,调式,转调等方面都作细致心放置。他倡导用七声音阶,并经常强调凸起四度音和七度音,有时还援用升高的商、徵或宫音,构成一种奇特的抒情气概。其作品不只是对小我出身的悲吟,更反映了南宋时代的悲哀,这些创作对后世是一份贵重的音乐遗产。 陶真 宋代一种用琵琶或鼓伴奏的说唱艺术。大约发源于北宋,流行于南宋、金、元。其唱词多为七字,在音乐上也作上下句频频吟唱的格局。宋代唱陶真的大大都是不入北里,只在街巷热闹之处演唱的路歧人。因为题材、歌词通俗,因而在泛博农村地域十分风行。一般认为陶真是后世弹词之前身。 鼓子词 宋代一种以支曲叠唱为根基形式的曲艺,用渔鼓伴奏,有两类,一类是士医生创作,用于宴会。其布局比力简单,也无故工作节,凡是只要一个词调咏唱四时或十二月,在歌唱前去往要先念一段散文或韵文的“致语”。如张抡的《踏沙行·山居》等。还有一类是说唱性的叙事鼓子词。次要用一个调频频歌唱,但此中插有说白,如斯频频多次以叙唱一个故事。现存曲稿有北宋赵德麟的《崔莺莺商调蝶恋花鼓子词》和无名氏的《刎颈鸳鸯会》两种。 货郎儿 宋元期间一种说唱性质的曲艺形式。晚期是宋代的一种民间歌曲,由小贩儿的叫卖声成长而来,元代将其分为前后两部门,两头串入其他曲调,构成所谓“转调货郎儿。”并用几个分歧的转调货郎儿,其间穿插说白来说唱一段故事。演唱者自摇串鼓伴奏。 唱赚 南宋一种主要的说唱形式,由南宋绍兴年间的北里艺人张五牛在接收风行于北宋汴梁的“鼓板”根本上立异成长而成的。用鼓、板、笛作为伴吹打器,用缠令缠达两种曲式交替进行为特征。缠令由互相联系的若干曲调构成,缠达则以两个曲调分歧频频,音乐上采用统一宫调,一韵到底。目前保留最完整地唱赚作品是保具有宋代陈元靓辑《事林广记》中的一套咏蹴鞠的《园社市语》,是由《紫苏丸》、《缕缕金》、《好女儿》等九首曲牌构成的套曲。 诸宫调 诸宫调是宋代汴京北里说唱艺人孔三传创立的一种大型的说唱艺术。是一种有说有唱、说唱相间、以唱为主、规模弘大的体裁。由分歧宫调的很多曲牌毗连起来演唱。伴吹打器次要也是鼓、板、笛。后来也用水盏打拍,或用弦索伴奏。诸宫调音乐的特点在于宫调的多样性,适合表示更复杂的社会糊口内容。目前保留最完整的诸宫调作品是金章宗时董解元的《西厢记诸宫调》全本共用了十四个宫调。这种唱片说唱音乐形式的呈现,申明我国说唱艺术已进入成熟期间。 宋大曲 宋代大曲根基形式沿袭唐代,只是遍数略简,同时,降服唐代大曲各段内容互不连贯的错误谬误,大都以全篇论述一故事,唱词也由划一句改为长短句形式。南宋当前,跟着民间艺术的影响,逐步构成一种新型歌舞,在内容上出格留意演述必然的故工作节,在音乐上采纳曲牌连缀的形式,并以代言体的念白穿插其间,此中某些歌舞已颇有戏剧表演的意义。 **永嘉杂剧 十二世纪南宋初期在浙江温州处所兴起的一种民间戏曲,又称南戏。萌芽于民间歌谣、小曲,诸宫和谐宋杂剧等。北宋末南宋初已构成,是中国戏曲最早的成熟形式之一。演化为明清戏剧的次要形式——传奇。出名琵琶保守大套武曲。描画了楚汉相争中垓下之战的情景,故事性极强。 乐谱最早见于清嘉庆二十三年(1818)华秋萍的《琵琶谱》,描画同样题材的《楚汉》。是琵琶武曲的颠峰之作贺绿汀。是中国出名的作曲家,音乐教育家、音乐理论家。1931年入国立音专,从师于黄自进修作曲、和声,同时选修钢琴。在此期间,他起头创作歌曲和钢琴曲。1934年俄国钢琴家作曲家齐尔品在上海搜集中国风味的钢琴曲。贺绿汀以《牧童短笛》夺得了此次角逐的。他的歌曲《游击队歌》、《嘉陵江上》,在抗日和平期间传播至海表里,至今仍是音乐会和歌咏勾当中的传唱不衰的曲目 。他的器乐作品以钢琴独奏《牧童短笛》、《摇篮曲》,管弦乐曲《森吉德玛》、《晚会》最为出名。作为20世纪中国新音乐的一位晚期实践者,将欧洲音乐的保守技法与民族音乐相连系。构想严谨缜密,布局完整紧凑,手法简练洗练,豪情真诚天然,有明显的时代特点和稠密的糊口气味。特别是歌曲创作,亲热上口的旋律与明显的时代感他的创作气概俭朴精练,浑然天成。新中国成立后,他先后担任了中国音乐家协会副主席,上海分会主席和上海音乐学院院长。持久努力音乐教育事业,为我国培育了很多音乐专业人才。 冼星海(1905——1945)作曲家,音乐教育家。终身中创作了数百首音乐作品和大量的音乐论文,次要作品有:交响乐《民族解放》、《崇高之战》,管弦乐组曲《满江红》,管弦乐《中国狂想曲》等作品。存世的作品近三百件,含四部大合唱、两部歌剧音乐、两部交响乐、四部交响组曲、两百余首歌曲、十余首器乐曲等。先后颁发有《聂耳——中国新兴音乐的缔造者》、《论中国音乐的民族形式》等三十余首音乐论文。因为在音乐创作方面的庞大贡献,“人民音乐家”《小提琴和中提琴二重奏》、《浪漫曲》以及《弦乐三重奏》……n 在随后的成长过程中,继续咏最大的变化是歌词布局的规整化,各段歌词的长度逐步变得不异。这种变化必然影响到旋律的布局。因为歌词和旋律的规整,继续咏在中世纪后期(包罗文艺回复期间)很是流行,不只数量繁多,并且起头融入世俗音乐的要素。16世纪特兰脱会议后,继续咏被明令禁止。 **奥尔加农 奥尔加农是9-14世纪的复调音乐形式。其特征是通过复调手段润色圣咏。按照其汗青成长阶段,可分为四品种型:a、平行奥尔加农,约于9世纪起头风行,是在格里高利圣咏的上方或下方即兴附加一个平行声部,两声部之间可按协和音程形成四、五、八度,本来的圣咏曲调被称作“定旋律”,对位声部由锻炼有素的独唱者担任,有时两声部可从同度起头,此中一声部上行至四、五或八度时再起头平行进行。平行奥尔加农是有史可查的从单声部音乐成长到多声部音乐的完整过程的第一步。B、自在奥尔加农。大约流行于11世纪,本来的圣歌曲调作为定旋律置于低声部,上方附加声部除了与低声部形成平行进行或斜向进行外,还经常形成音对音的反向进行。c、富丽奥尔加农,约12世纪上半叶呈现于法国、上方第二声部的音符增加,与低音部圣咏形成多音对一音的关系。低声部圣咏曲调中的单个音符被拉长了,其旋律感较着削弱,富丽的上方声部脱颖而出成为主旋律,同时大二度、七度和九度均用作颠末性的不协和音程。D、有量奥尔加农,之前的三种奥尔加农都仍无较着的节奏特征,其节拍可能由拉丁歌词的节拍和语感决定,到12世纪末、伴跟着迪斯康特写作气概的兴起,节拍模式成为组织音乐的一个主要手段,当奥尔加农的各声部(包罗定旋律声部和对位声部)均被纳入节拍模式时,有量奥尔加农就发生了。 孔杜克图斯 约风行于12、13世纪的一种歌曲体裁形式。既能够是单声歌曲,也能够是复调形式。复调孔杜克图斯与奥尔加农比拟有一些新的特点。1、孔杜克图斯晦气用素歌曲调做为定旋律,而是采用新创作的定旋律声部。2、复调孔杜克图斯用迪斯康特气概写成,各声部均被纳入节拍模式,且按照统一节拍进行。而不再利用奥尔加农对位声部的花唱气概。3、复调孔杜克图斯的歌词虽然也是拉丁文,但大量属于诗歌体,内容常与时事政治相关,而不再是保守的散体裁礼拜用语。每个声部都有唱词,且各声部唱词一样(也有可能上方声部用器乐吹奏),各词格律的规整也影响到音乐的旋律布局,音乐表示出有纪律频频的分节歌形式。13世纪下半叶,跟着经文歌的兴起,复调孔杜克图斯逐步式微。单声歌曲的孔杜克图斯其典型特征是:其音乐是自创的,不再借助于圣咏。旋律与歌词的关系凡是是音节式的。孔杜克图斯的歌词是押韵的,歌词呈现有纪律的节拍重音变化,旋律常常反复而具有分节歌式的歌曲特点。在歌词内容上一般限于庄重诗歌,可能涉及宗教,也可能是政治、道德、典仪、悼念等世俗内容。孔杜克图斯在中世纪音乐成长中具有主要意义,因为与恰是礼拜勾当的分手,它为作曲者供给了自在缔造的机遇,促成了宗教和世俗音乐的彼此接收和影响。 克劳苏拉 呈现于是12世纪末至13世纪中叶之间的,大约在迪斯康特气概降生后,经文歌降生前的一种音乐形式。原意为“歌词”“段落”,指礼拜音乐典礼顶用来替代同样圣咏的单声部片段,或替代成立在同样圣咏片段的其他复调片段。除少部门是三声部、四声部外,大大都是二声部的复调。其气概属于迪斯康特样式,即各声部均被纳入节拍模式,有清晰的节奏特征,没有明白的歌词部门,次要是哼唱,是带词的经文歌前身。克劳苏拉的呈现带来了一系列主要的成果,看成曲者从圣咏中拿出一个片段对其进行各类分歧加工时,圣咏的意义发生了变化,圣咏被当作了一种缔造性的材料,不再是纯粹礼拜的感化,而是从命于理性的放置,具有艺术性的目标。 经文歌 13至14世纪的一种复调体裁形式,是中世纪晚期甚至文艺回复期间很是主要的复调体裁。其前身是克劳苏拉(见上)。13世纪呈现了典型的经文歌形式:具有三声部,圣咏旋位于低声部。上方声部歌词最后采用拉丁文,与宗教相关。后来逐步方言化,呈现法文经文歌,即上方两个声部采用法文歌词,圣咏旋律声部采用拉丁文歌词,构成所谓“复歌词”现象。内容也逐步世俗化。因为歌词重心都在上方声部,低声部旋律只起根本感化,因而在非礼拜勾当中歌唱时,拉丁文的歌词逐步得到意义,常改用乐器伴奏。13世纪下半叶呈现弗朗克经文歌,这类经文歌中最大声部歌词往往大大长于第二声部,因而速度很快,旋律时值很细碎。比力机器的低音固定旋律与比力流动的中声部,以及快速活跃的大声部构成对比。13世纪末呈现两种分歧类型的经文歌。一种为彼特罗经文歌,将弗兰克经文歌推向极致,上方声部愈加活跃。另一种朝向纯真化成长。以法文世俗歌曲为固定声部,上方所有声部采用几乎类似的节拍,第三声部旋律更为凸起。13世纪经文歌的成长促成了两个后果:一是多声部音乐三六度向五八度进行的终止式的构成,另一个后果是推进记谱法的成长,节拍的复杂化促成有量记谱法的提出。14世纪呈现了一种新的经文歌形式,等节拍经文歌。(见下) 等节拍经文歌 是14世纪新艺术期间起头风行的一种经文歌形式,等节拍手艺在14、15世纪最为风行,其特征是凡是在低声部操纵固定音列、固定节拍这两个要素周期性频频呈现,使经文歌建议于一种同一的逻辑布局。所谓固定音列,即固定的利用一段被称为“克勒”的旋律音列。所谓固定节拍,即事后设想被称为“塔里”的节拍型。将克勒与塔里连系起来,并以各类分歧的变化体例矫捷使用,就形成了等节拍手艺的根基内容。在具体实践中,科勒和塔里的连系能够有很多变化,如塔里节拍性两头可改换,频频时可增值、减值、逆行、转位、以及把等节拍手艺扩展到其他声部等等。由克勒与塔里配合形成的等节拍仿佛暗藏于深层的理性力量,在听觉不易发觉中赐与音乐一种同一的逻辑。等节拍经文歌是中世纪盛期有量复调音乐成长的合理成果,充实表现了哥特式建筑布局、智力和工艺实践的美学思惟。 游吟诗人 中世纪出此刻法国的诗人音乐家。被称作特罗巴多或特罗维尔,此中前者是指法国南部的游吟诗人、以奥克语或普罗旺斯语写作,后者指北方的游吟诗人,以奥依语写作。游吟诗人11世纪最早呈现于南方,12世纪下半叶在南方宫廷中成长到盛期,北方游吟诗人于12世纪末起头呈现,13世纪初游吟诗人的核心转向北方。游艺诗人的形成比力复杂,包罗宫廷贵族与骑士阶级以及一些帝王,同时还有很多有才调的基层诗人音乐家被接收进来成为依靠于宫廷的职业诗人。游吟诗人歌曲反映出受教会和世俗旋律气概的影响,大多是单声的,常加上乐器伴奏即兴弹唱。音乐气概方面,南方大多采用通谱歌的形式,分句不明白,旋律细腻,节拍处置复杂自在。北方多用分节歌形式,旋律段落轮廓较着规整,俭朴爽快。游吟诗人歌曲次要以恋爱题材为主,此中所谓“宫廷之恋”题材很是风行。别的还有康佐,晨歌,田园歌,以及涉及政治的向国王表达衷心的歌曲,悲歌、辩说歌等等。除此以外,北方游吟诗人歌曲体裁还有大型的叙事体方言歌曲,次要包罗传奇、叙事歌曲和莱歌。中世纪游吟诗人的代表人物有南方的贝纳特·德·文塔多恩和北方的亚当·德·拉·拉莱。13世纪下半叶,跟着骑士阶级的式微,又因诗人也随之式微。 **新艺术 流行于14世纪的法国,次要在音乐理论、作曲技巧、音乐气概上呈现的一些新的现象的总称。是针对13世纪古艺术而言的。其名称来历自法国主教、诗人、音乐家菲利普·德·维特利的一篇论文标题问题。新艺术次要是显出受人文主义思潮的强烈影响,主意个性化的创作。新艺术的特征有:新的记谱体例、二分节拍划分逐步成为主导。等节拍的使用。新的对位声响的使用。大小三度、大小六度被认为是协和声响。这一期间次要世俗音乐创作体裁在法国有:维莱勒、盘旋歌、叙事歌。这一期间较有影响的音乐家有法国的马肖。 福维尔传奇 是与法国新艺术相关的最早的一本曲谱手稿。大约作于1310-1314年,是一部具有喜剧要素、附有曲谱丹青的长篇嘲讽诗歌。它继续了12、13世纪以来法国市民文学假托动物嘲讽现实的保守,福维尔是一头驴的抽象,其名称fauvel 由六个暗示欠好名声词条头字母归并而成。福维尔传奇中的音乐很是丰硕,里面汇集了来自分歧时间和地址的笼盖宗教音乐、世俗音乐、单声音乐、复调音乐、保守音乐和代表新潮水的音乐等167首乐曲。次要包罗54首圣咏、14首法文世俗歌曲、24首孔杜克图斯、以及34首经文歌。是13、14世纪法国音乐的集粹, 马肖 法国新艺术期间音乐的主要代表人物、音乐家、诗人,是西方音乐史上作品获得完整保留的第一位音乐家,其音乐创作涉猎14世纪几乎所有主要的音乐体裁。如1、经文歌,共有23首,次要是三声部(晚期作品利用四声部),持续声部常有器乐担任,上方两声部为人声歌唱,歌词多为法文,在创作技巧方面,马肖很是重视等节拍手艺的使用,并将之扩展到上方各声部。2、弥撒曲,其代表作是《圣母弥撒曲》,,这部作品标记了将五部门常规弥撒连贯成套的弥撒曲体裁简直立,作品具有复杂的布局,合用其时稀有的四声部织体,各乐章之间有较着对比,各段落之间在音乐材料上具有内在联系,此外,马肖还把经文歌中的各类复杂节拍技巧(如等节拍)使用于弥撒曲的写作之中。3、世俗歌曲,世俗复调歌曲是其创作最有影响的部门,马肖将世俗歌曲用于复调创作,使复调歌曲达到精细完满的境界。创作次要使用14世纪法国诗歌和音乐的三种固定形式。包罗25首单声维莱勒21首盘旋歌42首叙事歌。包在他的复调歌曲中表现出很多新艺术期间的特征,如凸起二拍的地位、更注重三六度等,旋律精细矫捷,马肖留意对歌曲表示力的挖掘,其歌曲持续声部多为自在创作的旋律,多声部歌曲中,常利用对应持续声部,这声部与持续声部形成和声根本,支撑高音旋律声部。这种声部组合成为14世纪季世俗复调歌曲的尺度形式。 迪费 勃艮第乐派最主要的代表人物,神父音乐家。他的音乐作品涉猎了世俗和宗教的各类音乐体裁,对15世纪上半叶欧洲的音乐体裁与气概进行了成长。 他的尚松仍然采用保守的“固定形式“进行创作,此中大部门采用盘旋歌体裁。多为恋爱题材,较常见布局为:三声部中最大声部较为凸起,由人声演唱,下方两个是器乐声部。(但也有两声部人声,一声部器乐或三声部均为人声附加器乐伴奏的)后受英国气概的影响,作品中三和弦要素添加,旋律更趋流利;他的经文歌作品以等节拍经文歌为主,他的创作使这一体裁愈加丰硕和复杂,15世纪上半叶还写了一些不消等节拍手艺的短小经文歌,较具抒情性。他的弥撒曲创作使马肖确立的五部门的常规弥撒套曲体裁愈加成熟,为加强弥撒各部门在音乐上的联系,迪费起头利用定旋律弥撒这一新形式。即常规弥撒的各个部门用统一首圣咏或世俗旋律作定旋律声部,并对他进行增值、减值、倒影、逆行等多种对位手法处置,迪费是第一位将世俗旋律作为弥撒曲的定旋律的作曲家。他的弥撒曲多采用四声部织体,对回声部往往固定的置于固定声部之下使定旋律声部退至作品的内声部。迪费的创作对15世纪下半叶的欧洲音乐发生了影响。 奥克冈 奥克冈 法-佛兰德作曲家。作品不多,次要涉及弥撒曲、尚松、经文歌等范畴。其创作次要成绩在弥撒曲方面,他的弥撒曲以援用已有的旋律为根本创作,其援用的旋律既有宗教的又有世俗的,某些世俗旋律来自尚松。作品多是四个声部。在作品布局上,将定旋律作为音乐布局和创作的根本,在每个乐章完整地呈现一次到两次。有时会把定旋律放在最低声部。定旋律有时会呈现不合比例的关系,常采用变化定旋律节拍的手法使之与其他声部的节拍相符。在声部放置上,四声部往往彼此独立且均被粉饰。且音乐的分句和终止常被掩盖,构成一种不分主次的四声部复调织体和没有“裂缝”的连缀声响,将音乐布局躲藏起来。奥克冈最具代表性的弥撒曲作品有《短拍弥撒曲》与《mi- mi弥撒曲》。奥克冈的尚松比力保守简练。大多是三声部,个体为四声部。大部门大声部占次要地位,固定声部与大声部构成二声部对位,作为弥补的两头对回声部与织体融合为一体。为了丰硕织体常使用仿照手法,作品终止式经常含混不清,它的尚松代表作品有《我的嘴在笑》等。 若斯坎 若斯坎(1440-1521)是世纪之交法-佛兰德作曲家的凸起代表,是文艺回复最主要的作曲家之一。创作涉及弥撒曲、经文歌与尚松等范畴。他的弥撒曲创作一方面是对15世纪弥撒曲各类创作气概的归纳综合和总结,同时则为16世纪的弥撒曲成长拓宽了道路。他促使了新弥撒曲类型——释义弥撒曲与仿照弥撒曲的成长。前者是以一首颠末改编的素歌为根本进行创作,但素歌不是只在固定声部呈现,而是以复调的仿照在各个声部上呈现。 “仿照弥撒曲”,则是一种以已具有的复调作品为根本,援用多个声部的材料,或吸收其动机、复调陈述体例和布局等特征而创作的弥撒曲。在这两类弥撒曲的创作中,若斯坎大量使用系统的仿照手法,因此丰硕了音乐的织体,开辟了复调音乐的表示力。16世纪,仿照弥撒曲代替了定旋律弥撒曲成为最次要的弥撒曲形式。经文歌是若斯坎数量最多、最具个性的体裁。在创作中作曲家使用了几乎其时所有的创作体例。在创作中他关心音乐的传达与歌词的表示,测验考试所谓“绘词法”的谱曲方式以音乐的手法对歌词进行抽象地注释和意味。作品的音乐布局十分清晰,有明白的调性倾向,旋律没有富丽的粉饰,以简练天然的体例陈述歌词。持续的仿照在写作中拥有主要的地位。飞腾处常以宣叙性的主和谐声织体清晰的表达歌词,两三个声部分歧音区的组合的彼此问答构成织体与音色的对比。这些都成为15世纪末16世纪初经文歌的主要气概手法。若斯坎的尚松比以往更为丰硕多彩,歌词的选择更为普遍。他的五声部尚松多是两个声部为卡农,其他三个声部是自在仿照。而四声部尚松则采用自在的四声部写作体例。作为欧洲音乐从中世纪向近代过渡期间的一位作曲家,若斯坎的创作接收了旧的创作保守,同时又显显露新时代的音乐气概要素,对后世影响深远。 若斯坎同时代的作曲家 奥布雷赫特,若斯坎同时代作曲家中最出名的一位,弥撒曲在他的作品中占较大的比例,其大部门弥撒曲采用保守的定旋律弥撒曲体例。但处置定旋律的手法丰硕多彩。例如将援用旋律分为几个部门别离利用,直至作品飞腾处才完整呈现。别的它还采用依乐章逐步添加声部使音乐慢慢高涨的手法。他的经文歌创作次要是以定旋律的手法创作的。去世俗作品方面,除了尚松,他还创作一些通俗的荷兰歌曲。其创作次要以15世纪的保守为主,因而被认为是保守派的代表。 伊萨克,若斯坎同时代的作曲家。具有多方面的创作才能,十分多产。他最惹人瞩目的作品是以公用弥撒的词和乐谱写成的三卷本经文歌《康斯坦茨众赞歌》。这套大型的宗教创作可供全年教会礼拜和节日用。他的创作方式不只有保守的定旋律技法,又有新的主题仿照气概。去世俗音乐方面,他长于罗致分歧国度的体裁气概,创作了丰硕多彩的世俗作品,包罗大量的法文、德文、意大利文歌词的歌曲。是拉絮斯之前最具欧洲气概的法-佛兰德作曲家 皮埃尔·德·拉吕 若斯坎同时代的作曲家,奥克冈的学生。虽然偶尔也写作奥克冈式的严酷切确的对位,可是连系使用若斯坎的仿照手法,在音乐中利用短小动机和固定音型,使其气概更远离于奥克冈。 意大利村歌 是16世纪文艺回复期间的一种主要的世俗音乐体裁,以较高水准的诗歌为词谱写的复调歌曲。多为通谱体,歌词为单段,韵律自在。村歌的音乐重视对歌词的详尽表达,音乐的织体和手法丰硕,既有简练的主调气概,也有仿照的复调织体。有音节式的宣叙性腔调,也有粉饰性腔调。村歌创作的目标与表演场所不尽不异,无为宴会节日创作的,无为剧团表演创作的,还有专业的诗人聚会上创作的。作为一种文雅的室内声乐曲,其表演形式既有无伴奏重唱的形式,也有插手乐器伴奏进行演唱的形式。晚期的村歌以佛罗伦萨、罗马和威尼斯为核心,其时出名的作曲家有阿卡代尔特、维拉尔特等等。晚期的村歌多是主调气概,已起头融入少量的仿照复调手法。维拉尔特采用的五声部村歌织体形式和对歌词的详尽处置影响了中期的村歌作曲家。中期的村歌核心是威尼斯,此时村歌以五声部居多,次要作曲家有罗勒、加布里埃利、维森蒂诺等人。罗勒是中期最主要的作曲家,它一般拔取庄重的歌词,重视对歌词韵律节拍和词义的表达,即采用主调气概,又大量使用复调手法,还摸索斗胆的和声。维森蒂诺对半音气概的创作进行了测验考试。晚期的村歌转入罗马、曼图亚和费拉拉。创作手法已日臻成熟。半音化的和声、绘词法、音乐色彩的对比和宣叙性的节拍腔调被大量采用,一些作曲家还利用单声部加伴奏的气概。歌词与音乐的戏剧性结果获得遍及注重。这期间的作曲家有马伦齐奥、杰苏阿尔多、蒙特威尔第。此中杰苏阿尔多使16世纪以来村歌创作中的半音和声使用达到颠峰,伴跟着半音化的和声,他经常利用猛烈变化的织体节拍,形成神经性严重性的强烈结果。蒙特威尔弟承继成长了罗勒的保守,在其作品中,主调气概与复调气概完满连系,和声富于表示力,作曲家不只关心歌词的表示,并且还有作品全体的戏剧性。蒙特威尔弟曾经显显露村歌技巧大师的风采。 法国尚松 16世纪20年代,法国作曲家成长的一种具有明显民族特征的法国气概尚松。也称巴黎尚松。法国尚松选择的题材宽泛、从喜剧性的或庄重的恋爱内容到社会和日常糊口的内容。音乐一般按照音节谱曲,强调法则的重音,音乐植根于诗歌的旋律,节拍明显轻快,多为四声部织体,各声部根基上以同步的节拍陈述歌词,但不乏仿照的使用。音乐起头的段落一般要反复或在作品的结尾再现。16世纪三四十年代呈现的两位主要的法国尚松作曲家是克劳丹·德·塞米西和克莱芒·雅内坎。他们创作了约400首尚松。此中塞米西长于创作高雅的抒情尚松,而雅内坎更易一些超卓的描画性尚松而出名。 帕勒斯特利那 意大利作曲家,反宗教鼎新的代表人物之一。他的音乐是文艺回复后期的一个充满了矛盾的时代产品,帕勒斯特里纳的创作次要集中于宗教音乐范畴,弥撒曲是她最主要的题材,它次要创作释义弥撒曲。此中颠末改编的素歌成为作品的根基素材,素歌不再局限于固定声部,而是在各个声部自在呈现。帕勒斯特里纳创作气概是成立在对位、仿照、旋律进行、协和不协和等一系列准绳根本上的一种复调无伴奏合唱气概。他的作品以四声部居多,各声部人声旋律安静严肃,以级进为主,跳进较少,三度以上的跳进后必反行。旋律线拱形的崎岖舒缓平衡,经常采用长气味的乐句。旋律的平稳流动很少遭到节拍与和声的干扰。帕勒斯特里纳细心回避半音化气概,对峙用天然音的调式音阶。低音与上面的声部多形成三度五度或三度六度的和声音程。延留音在强拍有时构成不协和音程,但其一般有更长的协和音程做预备,且随即处理。颠末音与其它不协和音放置在弱拍。适度的节制各声部纵向的疏密,构成清晰的织体,在谱曲时留意歌词的句法和重音,使旋律与歌词声调天然融合在一路。其代表作《马尔切里教皇弥撒曲》清晰地展示出帕勒斯特里纳的创作气概。他创作均衡音乐的抱负和纯净对位织体的写作技巧被富克斯的对位教科书《艺术津梁》一书奉为典型。帕勒斯特里纳以不凸起戏剧脾气感的节制体例使复调音乐气概和技巧趋于完满,证明复调音乐与宗教的虔诚精力之间并没有不成和谐的矛盾,她的创作使文艺回复的宗教复调音乐创作达到了极点。 拉絮斯 是文艺回复期间最初一位法—佛兰德作曲家的精采代表,它与帕勒斯特里纳是统一期间两位最主要的作曲家,但他的创作气概与帕勒斯特里纳构成了明显的对比。他游历普遍、终身创作了两千多首作品,其创作接收了欧洲各个民族、国度分歧题材气概特点,是一位欧洲型的作曲家。弥撒曲是其创作中最具保守性的方面,此中大部门都是仿照弥撒曲。经文歌是他最主要的创作范畴,它的经文歌以音乐活泼地描述歌词为特点。音乐充满活力,既有活泼的大跳,又有强烈对比的节拍。他为7首反悔诗篇谱写的经文歌是其最出名的宗教作品。他的村歌创作遭到了罗勒和维拉尔特的影响,晚期村歌富有生气,中后期节制严肃成为典型的特征。他的法国尚松轻快诙谐,融入了意大利村歌的气概。德国利德有的带有村歌的特点,操纵动机仿照。有的采用德国保守的固定声部写法,有的则雷同法国尚松在谱曲时凸起歌词的朗诵腔调。他最为世人熟悉的作品是合唱歌曲《反响》 巴洛克期间(13名词注释3阐述) 两种常规 蒙特威尔第提出的一种音乐创作概念,是针对阿图西对其作品技法中太多不协和音利用的攻讦的回覆。载于1605年第五卷《村歌集》的媒介中,他认为,文艺回复的复调保守,即“古代气概”是第一常规。而本人使用的新作曲手法是“第二常规”。在音乐创作中,这两种常规该当是并用的。作曲家采用前者次要是关心对位写作的漂亮,采用后者时,对歌词的无效表示是一些偏离对位法法则的做法称为合理合理的手段。由此,蒙特威尔第九能够超越文艺回复期间复调保守的限制自在的处置一些不协和音来加强对歌词内容的表示。蒙特威尔弟的弟弟朱利奥也曾撰文捍卫哥哥的概念,强调作曲家在使用第一常规时,和声是歌词的仆人,而使用第二常规时,歌词应成为和声的仆人。第二常规的思惟来历自柏拉图。罗勒被认为是“第二常规”的前驱。蒙特威尔第认为,第一常规在维拉尔特的作品中达到完满,而第二常法则呈现于他本人以及罗勒、杰苏阿尔多等人的作品中。他创作之所关心的是歌词的意义和感情若何在音乐中表示出来,其最终的目标是尽可能的使用音乐打动听众。两种常规的思惟被一些理论家所总结,马尔科·斯卡契认为第一常规的典型人物是文艺回复期间的若斯坎、拉絮斯和帕勒斯特里纳。后来关于这两种常规的概念逐步被人们所接管。 通奏低音 巴洛克期间一种典型的主和谐声织体,根基由旋律加和声形成,是巴洛克最主要的特征之一。其特征是,强调低音部与高音部两个外声部的旋律线条,由一个独立的低音声部持续在整个作品中,因而叫做通奏低音,其次有一个位于上方的比力富丽、富于粉饰性的高音声部。作曲家创作时,只写出这两个声部,两头的和声声部由吹奏者积极其即席吹奏。作曲家凡是在低音的上方或下方表及响应的阿拉伯数字来加以指示。因而通奏低音也叫数字低音。通奏低音的实现一般至多需要两种乐器:一种是吹奏和弦的羽管键琴、管风琴和琉特琴。另一种是吹奏低音部的大提琴或大管等低音乐器。在宗教音乐中,凡是利用管风琴。也有人把通奏低音的乐器分为两类,一类是吹奏低音与和声的根基乐器,另一类是吹奏旋律活用对将来丰硕旋律的粉饰性乐器。这也预示了后来器乐协奏曲中对独奏和协吹打器之间的分工。通奏低音能够追溯到16世纪末教堂管风琴音乐中使用的管风琴低音声部。第一个提出通奏低音名词的是维亚达纳。1600年,最早印刷出书的使用通奏低音的曲谱呈现,别离是卡瓦利埃利《魂灵与肉体的戏剧》、卡契尼《优丽迪茜》和村歌集《新音乐》以及佩里的歌剧《优丽迪茜》通奏低音很是适合作曲家对新气概和更自在的表达歌词的追求。通奏低音的使用贯彻于1600-1750年的整个巴洛克期间,成为巴洛克音乐的一个主要手艺特征。因而巴洛克期间也叫做通奏低音期间或数字低音期间。 蒙特威尔第 巴洛克晚期的一位最伟大的作曲家。他现存的作品有,三部歌剧、一部芭蕾、十二卷村歌和其他世俗歌曲,还有五卷宗教音乐作品。他最出名的作品来自于其世俗作品。他的音乐气概根源来自于他对柏拉图音乐思惟的理解,追求在作品中清晰而精确的表达歌词和歌词中的感情,他并没有放弃复调写作,而是寻求用保守手法达到新的目标。他在作品中初次使用了弦乐的震音和拨弦的吹奏手法,构成所谓的“冲动气概”。其次要创作在村歌与歌剧方面。他的村歌创作表现了十六世纪末十七世纪初村歌气概的急剧变化,承继了罗勒的村歌保守,主调与复调气概完满地连系在一路,和声富于表示力。其关心的不只仅是歌词的表示,并且还留意作品全体的戏剧性。曾经显显露村歌技巧大师的风采。歌剧方面,第一部歌剧是《奥菲欧》在这部歌剧中,蒙特威尔弟大量的使用了村歌、单声歌曲、咏叙和谐各类器乐形式,乐队包罗40件乐器,通过利用较小的乐队组合达到特定的感情目标、描画结果和戏剧功能。蒙特威尔弟对人道的深刻洞察与用音乐描绘性格的能力较着的体此刻这部歌剧中。在其最初一部歌剧《波佩亚封跋文》中,蒙特威尔弟不只更普遍的使用“冲动气概”并且明白的对咏叹和谐宣叙调做了划分,更多地使用了重唱。作为这一期间最主要的作曲家,蒙特威尔弟的创作能够被看作是文艺回复晚期通往巴洛克的一座主要的桥梁。 A·斯卡拉蒂 意大利歌剧作曲家、那不勒斯歌剧学派的创始人。在他创作的歌剧中,神话题材较少,他更喜好情节庄重的汗青题材或虚构的人物。结局凡是是大团聚。常用咏叹调,并用宣叙调引入,遍及使用返始咏叹调。较短的咏叹调一般只用通奏低音伴奏,较长的咏叹调才利用乐队。每一幕的结尾,每个脚色下场前凡是有一首主要的咏叹调。对于对白较多的论述情节场景,斯卡拉底一般用干唱宣叙调来处置,次要由一些程式化的节拍、和声进行和终止式构成。斯卡拉底还利用带伴奏的宣叙调来加强戏剧结果。剧中合唱用的较少,大多是用于起头竣事歌剧。乐队编制一般包罗弦乐器、通奏低音乐器、双簧管和大管。他的歌剧序曲很有特色,与歌脚本身没有音乐材料上的联系,包含三个分歧的部门。速度挨次为“快——慢——快”这种歌剧序曲也称“意大利序曲”后来成为交响乐的次要前身。意大利歌剧在斯卡拉底的作品中达到一个新的高峰。 吕利 法国晚期歌剧的代表、跳舞家。其次要成绩即在其歌剧范畴。他的歌剧又称作“抒情悲剧”。作品多取材于神话或传奇故事,布局为一个序幕和五幕戏构成,这成为法国歌剧的固定形式。吕利认为唱词是最主要的,必需以精确的腔调为之谱曲。间接使用宣叙调成长剧情,在宣叙和谐咏叹调的组合中,吕操纵乐队伴奏咏叹调,而在宣叙调中则只用通奏低音伴奏。吕利的乐队包罗五个声部的弦乐器、双簧管和大管、以及数字低音乐器。其歌剧的序曲成为法国序曲,布局为带再现的二部曲式,每部门各自频频,第一部门为慢板,以主调气概和附点节拍为特征,第二部门是快板,使用赋格或近似赋格的气概,并以开首的慢板部门的简短再现竣事。吕利作于17世纪的抒情悲剧为18世纪的法国歌剧奠基了一个尺度的模式,对法国歌剧的构成和成长作出了最后的贡献。 浦塞尔 英国巴罗克期间最伟大的作曲家,优良的管风琴家、歌唱家。浦塞尔在多种音乐体裁上有严重贡献,有大量的器乐作品。上百首宗教和世俗声乐作品,如《为圣赛西莉亚日的颂歌》这后来成为亨德尔英语清唱剧的前身。别的还创作了很多戏剧配乐,浦塞尔在此中插手大量的音乐,构成了一种“半歌剧”的形式。其歌剧创作受法国歌剧影响十分较着,宣叙调在节拍和腔调处置上合适英语朗诵的特点,采用固定低音咏叹调的创作手法。其歌剧的代表作是《迪多与伊尼》 科雷利 博洛尼亚乐派代表人物,作曲家、小提琴家、乐队批示、小提琴教师。作为巴罗克期间最有影响力的小提琴家,他几乎只为弓弦乐器进行吹奏。终身共有六套为弦乐器而作的作品得以出书,每一套包罗12首曲子。此中大部门是三重奏鸣曲。科雷利的创作以清晰的调性为特征,调式的踪迹曾经没有了。似乎是第一位完全用大小调进行创作的作曲家。他的音乐大部门是天然音的,他系统地使用摸进,此中,和声摸进用来无效的转调,旋律摸进用来扩展旋律线条。每一首作品都包含主调与复调的气概,至多有一个欢愉章是用赋格写法创作的。他的对位是以和声为根本的,并被调性所节制。慢乐章留给吹奏者很大的即兴粉饰的自在。 库普兰 法国键盘音乐的代表人物、吕利与拉莫之间最主要的法国作曲家。其创作的次要动机是把法国的古典保守与其特有的音乐气概与意大利的音乐气概连系起来。他的作品包罗两首管风琴弥撒曲、一些室内乐作品、世俗歌曲、康塔塔以及四卷古钢琴组曲。大库普兰的古钢琴曲一共两百多首,分四卷。总题目为《羽管键琴作品集》、每卷包罗若干首组曲。四卷共27首组曲。其特点次要有:一首组曲中的小曲都在统一调性上,包罗大小和谐平行调,有些小区有阿拉曼德类组曲的尺度名称,更多地采用题目。作曲家并未将这些组曲作为一个多乐章的全体来构想。乐曲布局前次要使用二部曲式与盘旋曲式。使用了典型的破裂气概进行创作,作品文雅机智、曲风较着遭到富丽气概和洛可可气概的影响。代表了法国宫廷的艺术趣味。别的库普兰还有两部理论著作《伴奏的法则》、《羽管键琴吹奏艺术》。大库普兰的组曲是法国古钢琴保守中得一颗璀璨的明珠,它对后来的拉莫和巴赫的创作发生了庞大的影响。 拉莫 18世纪法国最主要的作曲家、理论家和键盘乐器吹奏家。其次要作品有,4卷羽管键琴独奏曲、1卷室内乐作品、4首非典礼经文歌或诗篇歌、6首世俗康塔塔、以及约30部舞台作品。别的还有《和声学》(全名《还原到其天然准绳的和声学》)、《音乐理论的新系统》两部理论著作。拉莫的歌剧承继了吕利的保守,同时戏剧结果更强,歌舞排场篇幅更大、往往用大乐队伴奏和更旋律化的宣叙调鞭策剧情。咏叹调一般使用二部曲式、再现三部曲式、或盘旋曲式写成。乐队伴奏往往具有描画性,使用更普遍的调性与和声。歌剧序曲遵照履历的保守,但快板中复调织体削减,良多序曲用了歌剧中的材料。其键盘作品表现了典型的巴罗克气概,还有一些具有晚期文艺回复的遗风、或是预示将来的前古典主义气概。其最主要的是理论著作,它将音乐看作一种科学,试图在天然法例的根本上注释和声道理。拉莫认为和声是所有音乐的根本,旋律从和声中派生出来,从声音的物理性质出发研究和声,顺次调查了和声的发生、转位与根本低音。其结论是,一个振动体发生一个根基音,这个音由泛音列形成。第一、二、四泛音发生根基的协和,当他们连系在一路时,便发生完满的和弦。也就是说三和弦是从泛音列中发生出来的。和弦作为最主要的音乐要素由三度叠置而成。能够通过上加一个或更多三度加以扩展,由此发生七和弦九和弦。和弦简直认决定于根音。转位并不影响和弦的性质。在一段和声序列中,和弦根音的进行是最主要的要素,被称作根本低音。根基的和弦是主、属、部属三种,其他的和弦同根基和弦发生关系并从属于他们。这就是功能和省的概念。一个和弦功能的改变能够惹起转调,由此发生通过中枢和弦进行转调的准绳。拉莫的概念不只对其时的作曲实践作了总结,并且对随后两个世纪的和声理论发生了影响,至今仍是研究调性和声的根本。 D·斯卡拉蒂 意大利作曲家,巴洛克最主要的作曲家之一。终身次要创作键盘乐,共创作500多首键盘奏鸣曲。他的键盘奏鸣曲都是单乐章,每首奏鸣曲都雷同一首操练曲,要求处理必然手艺难题,在布局上,更多地采用二部曲式或古奏鸣曲式。因而其布局上曾经有古典奏鸣曲式的萌芽。在技巧上出格宠爱与“挤压音”的粉饰音写法,其某些作品预示了前古典主义的气概特征。 二十世纪期间(27名词注释1阐述) 表示主义音乐 表示主义是第一次世界大战前夜在德奥兴起的一个现代门户,最早出此刻绘画文学等范畴、后来扩展到音乐范畴。表示主义常常与印象主义相对立而言,表示主义强调艺术家自我的感触感染和体验,将本身心里的体验看成创作的独一按照,用本人客观对现实的理解来取代真正的现实。是对艺术和社会既无形式的一种抵挡,表示主义作品采用的题材是保存于现代社会的人,出力描绘那种孤立、严重、焦炙、惊骇以及潜认识中的感动,其仆人公的抽象往往呈现出一种正常、反常、病态或荒诞的抽象。表示主义承继于晚期浪漫主义高度戏剧性的作品,但从表示形式看比某些晚期浪漫主义音乐愈加荒诞、不协和,其音乐言语从伴音化走向无调性。其他特点还有细碎地、急剧跳动的旋律进行、从一个极端到另一个极端的力度变化、锋利的不协和和弦;不合错误称的节奏;不清晰的布局等。表示主义音乐的代表人物是奥地利作曲家勋伯格和他的两个学生贝尔格和韦伯恩。三人都出生于维也纳,也被称作新维也纳乐派。 勋伯格 勋伯格(1874-1951)奥地利作曲家、教师、理论家。他是20世纪最有影响的作曲家之一, 他在音乐上最主要的贡献在于创立了十二音作曲系统。所谓十二音作曲系统是一种无调性的音乐创作言语,根基方式是由作曲家选用半音阶的十二个音自在构成一个序列(或音列),以它的原型、逆行、倒影、倒影逆行四种形式构成一首乐曲。在十二个音全数呈现以前,不得反复其他任何一音。这些音列可挪动至半音阶的任何高度。音列的各音即能够接踵呈现构成旋律,也能够同时呈现构成和弦。音列的各音能够分离于各个声部,也能够各个声部均有本人的音列。十二音系统只是音高方面的序列手法,他对作品的节拍、力度、音色方面没有任何限制。勋伯格操纵十二音创作的作品有:朗诵、男声合唱与乐队表演的《一个华沙幸存者》,作品论述了纳粹德国集体杀戮华沙犹太人的事务,为勋伯格最冲动人心的作品之一。别的,勋伯格的主要作品还有晚期的弦乐六重奏《净化之夜》、交响诗《佩利亚斯与梅丽桑德》、大合唱《古列之歌》。中期的无调性作品《钢琴曲三首》op11.《五首管弦乐曲》(第一首用无调性写成的管弦乐作品,此中第三乐章是出名的音色旋律的例子)。采用“念唱”腔调的独唱套曲《乐迷比埃罗》以及独幕音乐剧《幸福的手》,别的还有三本理论著作《和声学教程》、《作曲理论》、《气概与思惟》。勋伯格通过他的创作、讲授与著作,以其为核心构成了一个学派——新维也纳乐派。而其创立的十二音创作系统为音乐的创作带来了新的可能性,惹起了20世纪后来一系列新音乐的成长。 贝尔格 贝尔格(1885-1935)奥地利作曲家,维也纳乐派主要成员之一,跟从勋伯格进修并受其影响。其最出名的作品为歌剧《沃采克》,歌剧的音乐大部门为无调性,预示了某些十二音的手法,同时也承继了调性音乐的保守。把天然音阶、半音阶和音列都无机的同一在一路。作曲家仍是用瓦格纳的主导动机手法,使它与剧中人物和思惟表示连系起来。歌剧的声乐气概多种多样,既有雷同德国抒情歌剧中的旋律,也有勋伯格在《月迷比埃罗》中采用的“念唱”腔调,还有配乐说白。各场之间有器乐毗连,利用保守的曲式已构成一个完整的全体。这部歌剧是典型的高度成长的浪漫主义强烈豪情与最严酷和笼统的形式主义的连系。除此以外,贝尔格的作品还有第一部十二音作品:六乐章的弦乐四重奏《抒情组曲》,歌剧《露露》以及为马勒亡女所作的《小提琴协奏曲》这部小提琴协奏曲是20世纪最有影响的小提琴协奏曲之一。贝尔格对于音乐的特殊贡献在于,他将勋伯格单调的作曲方式同豪情表示连系起来,使这种新的、比力笼统的言语同样可以或许书法人的豪情,给人以艺术传染力。 韦伯恩 韦伯恩(1883-1945)奥地利作曲家、新维也纳乐派主要成员,勋伯格的学生。共创作有31手作品(17首声乐曲,14首器乐曲)。其音乐以一种高度浓缩、格言式的精练言语所著称。他将勋伯格的作曲法则使用得愈加完全、极端。带有更多的尝试性质。具体特征有:旋律和声方面表示为细碎和片段,音乐贫乏长线条的流利进行,多用宽音程的跳进,有时被截成一段段的,只要几个音,以至一二个音,互相之间仿佛没有联系。各声部之间的关系不协和。织体方面,多采用室内乐性质,配器与旋律和声的细碎、片段相共同用分歧乐器的屡次转换、以及分歧吹奏法的特殊结果,凸起乐器音色的不竭变化。曲式方面,崇尚布局简短,常用倒影、节拍移位等对位手法,很少主题的摸进或反复。强调个体的音本身,而不在于音与音的毗连。其创作的奇特气概促成了二战后音乐的新成长,次要有第一、影响了点描派音乐的构成,即将一个一个音(或和弦)拼接起来,各有各的音色、力度、发音法等。第二、将十二音系统中音高的序列扩展到节拍方面,为序列音乐打下了根本。第三、提高了音色在作品中的地位。韦伯恩对后世的现代音乐影响庞大。 新古典主义 20世纪上半叶两次世界大战之间的一个主要门户,其目标是力求回复古典主义或古典主义以前期间的音乐气概特征。这一气概的定义是意大利作曲家布索尼1920年颁发的公开信《新的古典主义》,起头的标记是以1920年斯特拉文斯基的第一部新古典主义作品《浦契涅拉》首演。新古典主义最主要的特征即表示为对浪漫的反动,出力表示被19世纪浪漫主义作曲家放弃或不忠诚的工具。具体特征有:美学方面要求艺术全体的各个方面的平衡、完满和不变。在感情表示方面追求适度、节制、理智的豪情,否决浪漫主义小我客观的不加节制的豪情宣泄。形式布局方面,回复浪漫主义前如组曲、托卡塔、大协奏曲、帕萨卡利亚等曲式,作曲手艺方面,倡导复调音乐,用线条织体替代浪漫主义的和弦织体,调性明白,以七音天然音阶为创作根本,避免半音音阶,节拍均匀、配器清晰。丢弃浪漫主义与印象主义着重色彩的作法。注重器乐题材,倡导纯音乐,否决题目性。同时,在新古典主义作曲家的创作中,还使用20世纪的创作技法,使其具有20世纪音乐作品的一般特征。新古典主义主要的作曲家除斯特拉文斯基外还成心大利的卡塞拉、皮采蒂、西班牙的法雅、捷克的马蒂奴、法国六人团以及美国的柯普兰、辟斯顿等人。 斯特拉文斯基 (1882-1971)20世纪最有影响的作曲家之一、新古典主义的代表人物。他在分歧期间采用分歧的气概和手法进行创作,因而表现了20世纪上半叶各个门户的特征。晚期为民族主义期间,以三部舞剧《火鸟》、《彼得鲁什卡》、《春之祭》为代表。这一期间的创作多以东方色彩与俄罗斯的音乐言语为主。此中《春之祭》更是在节拍长进行立异,成为原始主义的代表作。中期自《浦契涅拉》起头为新古典主义创作期间,其倡导“回到巴赫”主意回复巴赫音乐的布局要素。期间创作的主要作品有:《c调交响曲》、《小提琴协奏曲》、《俄狄浦斯王》等这一期间最初一部作品为1951年的歌剧《荡子生活生计》。其后转向了十二音的创作,创作了舞剧《阿贡》、合唱《哀歌》、《安魂赞誉诗》等。斯特拉文斯基终身虽然采用分歧的气概和手法进行创作,但根基不断连结着小我的本色。其孕育开创了20世纪一代音乐新风,对后世音乐成长影响深远。 兴德米特 (1895-1963)20世纪德国出名作曲家、理论家、音乐教育家其作品数量良多。其创作的次要气概在于对位与和声以及独树一帜的调式系统。他创作的最次要气概特征是不协和的对位,他认为对位是音乐思维的根本。他更强调对位织体中各个声部的旋律进行,而较少考虑纵向各音之间的保守连系关系。即所谓线条对位。同时,他对峙认为调性是不成贫乏的作曲法例,与保守大小调分歧,他有本人一套组织方式和系统,其和声干涩、不协和。他的创作分为三个分歧阶段,第一个阶段次要摸索各类气概,代表作品包罗第二弦乐四重奏、第三弦乐四重奏、室内乐队曲、1922年组曲等,作品气概遭到其时如勋伯格、巴托克、斯塔拉文斯基、米约的影响较着。第二期间是新古典主义期间,创作了室内乐队曲2-7号、乐队协奏曲、卡迪拉克等一系列作品。第三期间是气概分析期,其代表作歌剧《画家马蒂斯》、舞剧音乐《卑贱的显圣》、,小提琴协奏曲、韦伯主题交响变奏曲、调性游戏等均作于这一期间。他著有《作曲技法》、》《保守和声学简明教程》、〈音乐家的根基锻炼〉等著作。 六人团 二十世纪初活跃在法国的一个艺术集体,其名称来历自1920岁首年月,法国记者科莱在〈喜剧〉杂志上颁发的一篇文章〈俄国五人团、法国六人团和萨蒂〉文中评论六位年轻人的音乐会。六人别离是奥涅格、米约、普朗克、奥里克、杜列、泰塞尔。六人团在创作气概上大致方向新古典主义。此中较有影响的作曲家有奥涅格、米约和普朗克。奥涅格侧重于创作庄重的交响乐与室内乐,其音乐气概雄浑热情,充满动力感。他普遍的采用过去和同时代的各类手法,不遵照任何美学信条,也不追求气概的纯粹。他创作各类体裁作品200部,最出名的有管弦乐曲〈承平洋231号〉清唱剧〈火刑堆上的贞德〉以及五部交响乐。此中承平洋231号因其不协和和声、快速变换的节奏节拍成为将来主义追求新时代活动感与节拍感的例证。米约是位多产的作曲家,终身创作了443部作品。其气概也是多样的,最凸起的特征是采用多调性进行创作。他在乐队织体中,通过分歧乐器的音色和力度,把多调性的各个条理区别开来,凸起主旋律。它的次要作品有管弦乐曲〈屋顶上的牛〉歌剧〈克里斯多弗·哥伦布〉〈法兰西组曲〉等等。普朗克的音乐明快、漂亮、朴实。最接近萨蒂的气概。主要作品有两架钢琴协奏曲、喜歌剧〈泰勒西阿斯的乳房〉等等。出格是他的歌曲,享有很大声誉。 巴托克 巴托克(1881-1945)匈牙利作曲家。是20世纪最成功的民族主义作曲家,不只为匈牙利音乐打开了新场合排场,也是20世纪站在现代音乐前列的少数几位最主要的改革家之一。其创作晚期次要受前人影响,用浪漫主义音乐言语写成。1908年起头,他逐步构成了本人奇特的气概,操纵民间音乐五声音阶与陈旧调式音阶组合而成的“多调式半音系统”进行创作。他的创作多采用民间曲调作为素材,同时操纵现代作曲手法将其变形。作品往往采用纯净的织体,具有平衡的比例。偶尔连系一些试验性的作法,如钢琴作为冲击乐器、利用音块等等。其代表作次要有:管弦乐曲《两幅肖像》、六首弦乐四重奏、歌剧《蓝胡子公爵的城堡》《为弦乐、冲击乐和钢片琴而写的音乐》《两架钢琴与冲击乐的奏鸣曲》等等。别的,他还颁发了很多关于民间音乐的文章,对民间音乐的收集、研究作出了相当大的贡献。 肖斯塔科维奇 肖斯塔科维奇(1906-1976)苏联作曲家。以写作交响乐闻名。终身著有15部交响乐。1926年第一交响成功首演获得了国际声誉,1936年因歌剧《姆钦斯克县的麦克白夫人》遭官方点名批判。1941年创作《第七交响乐》成为否决纳粹德国的音愿意味。1948年再度遭到官方“反形式主义”批判。作为汗青上有争议的作曲家,终身荣誉等身又频遭批判。其创作除15部交响乐外,还包罗15部弦乐四重奏,各类乐器的协奏曲,钢琴曲,大合唱、舞剧、歌剧,片子配乐等各类题材。其音乐言语具有本人奇特的气概,其根底是保守的,有调性的,但也利用不协和声响,常常将无调性与调性并置利用,最有总要回到调性。他是20世纪苏联甚至全世界最主要的作曲家之一。 布里顿 (1913-1976)英国作曲家,其音乐气概兼收并蓄。以保守为根本,普遍地采用各类现代手法如马勒的抒情性、斯特拉文斯基的节拍立异、勋伯格的无调性言语、东方音乐的支声复调等等,将其融合为本人奇特的音乐言语。同时,他对宗教音乐与村歌艺术领会深切,其创作植于英国死后的声乐保守之中,最次要的创作范畴是歌曲和歌剧。他成长了“室内歌剧”形式,采用五六个演员、十二三人的乐队,音乐精美、手法精练、节拍矫捷、织体通明。,长于通过旋律与对位刻划人物的分歧性格,表示各类情感和氛围。他的歌剧模仿古典歌剧的形式连结一首首独立的曲子,较少采用布局复杂的奏鸣曲式,而偏心变奏手法,认为主题变奏更能自在的展开乐思。他的音乐根基上是抒情的,但仍有新意,带有现代气味。 微分音音乐 20世纪呈现的一种新的音乐形式和音乐作品,采用小于半音的微分音进行音乐创作。其代表人物是捷克作曲家哈巴,它最早利用微分音的成熟作品是《第三弦乐四重奏》、其后创作了大量微分音作品次要是四分之一音和六分之一音音乐。从钢琴、弦乐四重奏直至整部歌剧。其最出名的作品是歌剧《母亲》。环绕他构成了一个捷克微分音学派,除他以外,美国作曲家帕奇、布列兹、施托克豪森、彭德雷茨基都已经创作过微分音音乐。 乐音音乐 20世纪呈现的一种新的音乐形式和音乐作品,采用乐音进行音乐创作。其次要是将来主义思潮在音乐上的表示。最早在音乐上提出将来主义主意的是意大利作曲家普拉泰拉,他倡导无调性、微分音、不纪律的节拍等等。将来主义在音乐上的代表人物是鲁索洛,他1913年颁发的《乐音艺术》认为能够把日常糊口中所听到的乐音作为音乐作品的根基声响材料。他将乐音分成六大类,并制造了各类乐音发声器。乐音音乐扩展声响来历的作法具有开创性,对后来的前锋派作曲家影响庞大。 瓦雷兹 (1883-1956)法国作曲家,从鲁塞尔、丹第进修,受德彪西影响很深。后来接触将来主义音乐,起头测验考试对音乐进行鼎新,其新音乐的试验次要依托节拍和声响,而非保守的旋律与和声。它是西方第一位系统而普遍的摸索冲击乐的作曲家。他创作的《电离》是欧洲第一部出名的冲击乐曲,全曲为13名冲击乐吹奏者而作,用40件冲击乐器和两个警报器。没有旋律与和声,只是按分歧性质的音色和声响布局而成。除此以外还有如《美洲》、《超棱镜》、《赤道仪》《比重21.5》等作品。瓦雷兹是战后新音乐气概的先行者,他将音乐看作是一种“有组织的声音”,不只把音色、声响提高到首要地位,降低音高变化在作品中的感化,并且成长了节拍、曲式等概念和处置法,50年代还测验考试创作了一些电辅音乐作品。 序列音乐 20世纪下半叶呈现的一种在作曲方式上按照固定挨次进行放置的音乐形式与音乐作品。十二音音乐是一种序列音乐,但此刻序列音乐特指20世纪50年代的那些不只在音高上,在其他如节拍、力度、音色等方面都采用序列手法的音乐作品,有时也称全体序列音乐或全面序列音乐。第一首有影响的,真正的拾掇序列作品是梅西安于1949年创作的《时值与力度的模式》。这是一首钢琴曲,有三个声部,别离在高、中、低三个音区采用三个十二音音列。这三个音列中每个音同它的高度响应,都有其特定的时值,是一直不变的。同时,还有特定的力度记号与特定的发音法固定在每个音上,也是一直不变的。梅西安将这三个音列并置形成整首作品。在梅西安之后,序列音乐的代表人物是布列兹、施托克豪森、巴比特与诺诺等人。序列音乐作为一个门户,在70年代当前就趋势式微,但其寻求变化、避免反复的影响直至今日仍然具有。 梅西安 (1908-1992)法国作曲家,二十世纪下半最主要的音乐家,具有继往开来的感化。全体序列音乐的开创者。1919年进入巴黎音乐学院进修,师从杜卡,1936年成立“青年法兰西”小组,1944年出书理论著作《我的音乐言语手艺》总结其音乐思惟。他的音乐言语具有奇特较着的个性,以丰硕的声响组合与浓艳的色彩著称,他将各类素材按他本人的体例加以变化分析于本人的创作之中。他对东方的音乐有着特殊的乐趣。他创作的题材次要涉及宗教、恋爱、大天然三方面。其音乐言语在节拍方面表示为经常采用奇数节拍、不合错误称的节拍形态,各类报酬的节拍组合体例等,如附加音符或附加时值,用分数的方式扩缩时值,采用递增(减)时值,利用正反两用节拍或称“非逆行节拍”以及利用人物性节拍等。在旋律与和声方面,次要采用“无限移位调式”。在利用时由于没有主音,所以没有调性感受,转调很便利。调式各音次要构成和声,和声次要是色彩幸得。别的音色在其作品中拥有特殊的地位。其次要作品有:晚期的钢琴套曲〈二十首朝觐圣婴耶稣〉〈图朗加利拉交响曲〉,中期的〈时值与力度的模式〉〈四首节拍操练曲〉后期的钢琴套曲〈鸟鸣集〉、大型乐队曲〈时值色彩〉、管弦乐〈等候死者复活〉等。 布列兹 (1925-)法国作曲家,批示家。韦伯恩当前序列音乐最主要的代表人物。他将严密的数学构想与自在的、客观的、狂放的豪情表示相连系构成了奇特的一方面高度组织化,另一方面富有色彩性,自若的音乐言语。他的作品有〈第二钢琴奏鸣曲〉这是其成名作,声响强烈、狂热、出人预料。为女低音和六件乐器而作的全体序列作品〈没有仆人的锤子〉,这是其最出名的作品,音乐织体通明,声响奇异。时而安闲、时而狂野。别的还有才有偶尔准绳创作的〈第三钢琴奏鸣曲〉连系序列与偶尔手法创作的〈绰影〉——马拉美的诗。双钢琴曲〈布局I布局II等。他还出书了〈论今日的音乐〉系统地阐述了序列音乐的问题。 斯托克豪森 (1928-)德国作曲家,20世纪后半叶最成功的前锋派作曲家,他的创作涉及了二次大战以来几乎所有的门户,他普遍的接收世界各地的各类艺术形式,与本人的自在摸索、自在表示的精力相融合,构成了本人的小我气概。他的创作以韦伯恩式的音乐为起点,把音高序列的准绳扩展到了节拍、音色、力度等方面,从而达到全体序列主义。序列音乐几乎是他所有音乐思惟的根本。他的偶尔音乐经常与序列音乐相连系。他的电辅音乐也按序列音乐准绳做成,将人声作为待加工的源,同时提出所谓“空间音乐”的概念。在作品布局方面,他提出“曲式与材料的合二为一”让吹奏家互相作出反映,自在吹奏而构成曲式,这种做法进一步成长为直觉音乐。他的音乐作品中避免明白的终止,60年代后期,他努力于世界音乐的创作,援用世界分歧地域的音乐素材表示世界的多样性,有时,为表示某种特定空气,还将音乐同其他视觉艺术形式连系起来。她的代表作品有:序列音乐〈对位〉偶尔音乐〈钢琴曲xi电辅音乐作品〈操练曲I操练曲II青年之歌〉〈音群〉〈四方〉等。直觉音乐〈锡兰〉、〈霎时〉世界音乐〈远距离音乐〉〈心境〉〈崇敬〉等。 希纳基斯 20世纪罗马尼亚前锋派作曲家,否决序列音乐,采用音块等手法作曲。他认为音乐理论与建筑理论是相通的,老是使用天然科学中的遍及法例,使用数学公式和笼统概念来创作音乐,同时也主意必然程度上依托人的客观的直觉的选择。他发了然“随机音乐,即便用概率论的方式,使音乐像物质世界一样被布局而成。其代表是管弦乐曲《概率的感化》。乐曲使用了46件弦乐、2支长号、1架木琴、1个木鱼而作。每个乐器一个声部,构成稠密声响。作曲家按照”大数定律“组织音乐材料,操纵“气体分子活动论”确定音块儿的密度和乐曲布局。借助计较机做成图表,再译成曲谱。其他作品还有管弦乐曲《变形》、《阿霍利普西斯》st/4st/10等等,希纳基斯的创作对后来欧洲作曲家创作使用音块手法有很大影响。 彭德雷茨基 波兰前锋派音乐家,1959年加入全国作曲角逐,援用分歧签名交上三首作品,获得三个一等奖而出名。1960年创作的弦乐曲《广岛罹难者的哀歌》因利用新音色与音块手法而广为人知。作品包罗好几个声部,各项查1/4音或半音,构成浓密的声响条带。没有保守意义上的和声旋律,也没有节奏,全曲有70多个时间块,块与块之间用虚线毗连,下方说明吹奏时间。作品采用各类新式弦乐技法,挖掘出弦乐器的各类声响潜力,使乐队呈现了雷同电辅音乐的声响结果。他在声响上的摸索,是和作品的内容表示连系起来的,并且常常付与作品必然的戏剧布局。60年代中期,彭德雷茨基的创作气概起头呈现所谓“新浪漫主义”倾向。代表作是〈路加受难曲〉。其作品数量良多,还有歌剧〈劳登的魔鬼〉、〈失乐土〉、古钢琴和室内乐队曲〈帕蒂塔〉〈小提琴协奏曲〉等。 利盖蒂 奥籍匈牙利前锋派作曲家,1960年在克隆国际现代音乐节上表演其管弦乐曲〈鬼魂〉、1961年多瑙厄辛根音乐节上表演其〈大气层〉确立了他作为欧洲主要前锋派作曲家的地位。他的创作,次要采用音块技法,把留意力集中在声响材料本身,强调在音色、音量、密度方面的立异。它不以保守的旋律和声与节拍作为作品的次要表示手段,而让位于一种景色组织起来的音乐织体。这种织体恍惚了乐音,使音成功为一种介于乐音与乐音之间的新的声响。如在大气层中,很多人吹奏几乎不异的材料,但在速度上稍有分歧,构成了一种静态的、极为复杂的声响。他称这种音乐为“微型复调”其目标是成立起一种音色,比旋律节拍更主要的艺术形式。别的,作曲家还在〈探险〉中追求乐器声响与人声的完全夹杂,人声所唱的内容不再具有言语的寄义。而在,〈旋律〉中则较着的呈现长线条的特点。,音块技法在这里变形为互相对比的长线条。其他作品还有:〈安魂曲〉、〈光线永存〉〈分叉〉〈要员〉 贝里奥 意大利前锋派作曲家,战后意大利具有国际影响的作曲家。他的创作反映了现代音乐了现代主要倾向和门户,同时连系了意大利的抒情性。其次要贡献在于对人声的奇特处置,即所谓“新人声音乐”。这种音乐中,不求词义,但求腔调。而腔调又长短歌唱性的。无论利用歌词或将歌词分化成语音的声音,作曲家都是把人声作为纯粹的音色来看待。这种音色能够与其他乐器音色相连系,但又分歧于乐器音色,总会带着某种非限制的词义的暗示。其代表作如:录音带音乐〈面庞〉、为人声、竖琴、冲击乐而作〈环抱〉。同时为了发觉和摸索各类乐器的新声响,他创作了称作〈系列〉的一系列独奏作品。此外还有〈差别〉〈颠末段〉〈交响曲〉等作品。 克拉姆 美国前锋派作曲家,其创作次要集中于“新人声音乐”与“摸索新音色”两方面。创作中经常采用很是规的乐器或很是规的演唱吹奏方式。偏好富有诗意的音色,并追求他们之间细微的变化。他为每首作品找寻分歧的乐器组合,音乐织体简练,稀少。强调阐扬单个声响的特点,经常采用调式和声或平行和弦来陪衬旋律。对东方冲击乐声响有出格的乐趣,长于吸收分歧的成分,有时间接援用其他作曲家或民间的音乐材料,作品声响别致,豪情充沛,具有戏剧性。其声乐作品常具有文字内容。次要有〈夜的音乐I〉、〈灭亡之短歌、持续音和副歌〉、〈村歌第四集〉、〈四个月亮的夜晚〉、〈远古童声〉等。其管弦乐作品还有〈时间与河道的反响〉、〈大宇宙〉、〈黑天使〉等。 亨策 德国作曲家,师从德国作曲家福特纳进修保守和声、对位和现代作曲技法。后跟从莱博维茨进修。其次要创作集中于歌剧范畴。其创作手法是一种以保守为根本,普遍接收现代手法的自在气概:既有调性,又有无调性、多调性、十二音序列。既有保守曲调,又有爵士乐和布鲁斯。作为与布里顿齐名的20世纪主要歌剧作曲家,它接收了意大利19世纪歌剧创作的音乐气质并与德国精力融为一体。其作品社会思惟内容较着,强调作品的政治意义,以政治性的音乐家而著称。。60年代后半期起,他的创作更方向于现代技法,采用如新人声表示手法,念唱腔调,音块、偶尔音乐、电辅音乐、微分音音乐等等。其创作多产,写有10部歌剧、9部舞剧、6部交响乐等一系列声乐器乐作品。其最具代表性的作品有:歌剧〈冷落的大道〉、〈牡鹿王〉、〈年轻的贵族〉〈洪堡王子〉、〈我们来到河滨〉清唱剧〈梅杜萨之筏〉等。 诺诺 意大利作曲家,出生于音乐世家,其创作设想60、70年代分歧门户,晚期跟随勋伯格,创作〈乐队协奏曲〉。其最出名的作品为独唱、合唱和乐队而作〈被打断的歌〉是用全体序列手法写成。其创作具有较着的政治性,创作过如〈波兰日志〉〈奥斯威辛惨行录〉〈加西亚·洛尔卡墓志铭〉〈站在广岛的桥上〉等一系列充满政治色彩的作品。60年代起,他更多转向电声范畴。创作在丛林的愉快糊口》等作品。进入80年代,作品气概发生更大变化,主要作品有《弦乐四重奏》《波兰日志二》《走你本人的路》等。 简约派 20世纪六十年代起首在美国成长起来的一种音乐创作思潮。其主意是利用尽可能少的材料和简化的手法构成作品。也有人称之为“反复音乐”或“沉思音乐”。与同期间绘画、雕塑方面的最低限度艺术有亲近联系。反复是其最根基的特征,凡是自始至终连结统一节拍片段,无限几个音的变化,不竭频频。跟着音乐的成长,旋律节拍和声配器都能够细微的变化,从平平中求别致。简约派是对五六十年代的反保守音乐的冲破,是对序列音乐的反动。它是有调性的,次要是受非西方如印度、巴厘、西非等地宗教典礼音乐的影响,以及从萨蒂的音乐思惟中获得灵感。这是一种催眠性的音乐。简约派的代表人物有赖利、赖克、格拉斯、杨。赖克的《为18位音乐家而作的音乐》采用大型乐队,根基材料是11个和弦的毗连,次要变化在于和声,布局是abcdcba. 赖利的《c音》有53个音型系列,一直连结统一节拍律动。大声部有一个不竭频频的c。简约派的音乐适合于跳舞配乐,格拉斯的三部歌剧《爱因斯坦在海滩上》、《谬误之力》《阿肯纳顿》,都是对汗青人物一种插图式的描画,其音乐是有一系列分歧主题材料构成的简约派分曲布局而成。年轻一代最有成绩的简约派作曲家是美国作曲家亚当斯,其代表作是歌剧《尼克松在中国》

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